На прошлой неделе многие отмечали День всех влюблённых. А ведь восприятие любви людьми менялось на протяжении всей истории. Многие задавались вопросом о том, что это такое, но ответ на него всегда был разным. Кажется, что вопрос о человеческих отношениях неисчерпаем. Однако мы можем проследить, как эти темы воспринимались в разные эпохи и как находили отражение в искусстве, живописи, скульптуре и, возможно, архитектуре. Проводником в мир искусства для нас выступила искусствовед Ксения Грудина.
Любовь в Античности и Средневековье: мифы, боги и религиозные ограничения
От Античности до нас дошло не так много произведений, но мы знаем, что это было время богов и героев. Божества управляли жизнью и любовными порывами человека. Главное наследие этого периода - мифологические истории. Они использовались в разные эпохи и в разных объёмах. Хотя статуи и архитектура тоже важны, но мифы оставили более глубокий след в культуре. Например, история о суде Париса. Из всех благ и богатств он выбирает любовь женщины, предложенную богиней Венерой. Мы знаем об изменах Зевса его супруге Гере. Бог грома и молний принимал разные обличия, чтобы завоевать понравившихся ему женщин. Есть история о Нарциссе и нимфе Эхо, которая влюбилась в него, но была отвергнута. Есть миф о неразделённой любви бога Аполлона к нимфе Дафне. Все они показывают, как небожители вмешивались в жизнь людей, влияя на их судьбы. Каждому из них поклонялись отдельно и в их честь строили богатые храмы. Многие из них сохранились до наших дней в виде руин.
Нельзя забывать и про античные статуи - это было воплощение изящества, застывшее в белом мраморе или идеальной бронзе. Однако греческие и римские статуи на самом деле были расписаны цветом. Это один из удивительных аспектов, который открывается тем, кто интересуется историей искусства.
В Средневековье любовь могла быть направлена только на Бога. Поэтому произведения искусства того времени были посвящены божественному. В то время много рисовали миниатюр на полях книг с весьма "скользкими" сюжетами. И до сих пор можно встретить скабрезные (непристойные - прим. ред.) сцены, которые были ярко раскрашены художниками того времени.
В это же время появились величественные архитектурные памятники, в готическом стиле. До нас эти сооружения дошли нераскрашенными. Краски того времени были не слишком стойкими, а условия для их сохранения неблагоприятными. Только благодаря находкам при реставрационных работах и исследованиях мы можем представить, как выглядели эти здания изначально.
Эпоха Возрождения: возвращение античных сюжетов и новые образы любви в искусстве
С эпохи Возрождения художники получили свободу для творчества. Что именно возрождали? Конечно, античность. В искусстве появились темы Леды и лебедя, Нарцисса, часто рисовали тот самый суд Париса. В строгие времена, когда обнажённые фигуры на картинах были редкостью, мифологические сюжеты служили легитимным поводом для создания красивых композиций с множеством обнажённых тел.
Итальянский живописец Рафаэль приглашал свою возлюбленную, не супругу, в качестве модели для героинь античных сюжетов и даже Мадонн. Даму звали Форнарина ("булочница"), хотя считается, что её настоящее имя - Маргерита Лути. Непонятно, откуда она получила такое прозвище, возможно, потому что была дочерью булочника, а может быть, потому что ассоциировалась у художника с чем-то пикантным, заставляющим дух подниматься, как хлеб при выпекании.
Обратите ещё внимание на лицо Мадонн на полотнах итальянского Возрождения. Они могут быть дерзкими и зовущими, что смущало русских писателей XIX века. Например, Лев Толстой, стоя перед Сикстинской Мадонной, чувствовал нечто необычное для созерцания религиозной сцены и был смущён. Первым художником того периода, наделившим Мадонну чертами лица реальной женщины, стал итальянский живописец Фра Филиппо Липпи. Он подарил ей образ своей возлюбленной - монахини Лукреции Бутти. Фра Филиппо тоже был монахом, но весёлым. Ибо в монашество попал не по своей воле, не по зову сердца и даже был арестован за то, что нарушил обет безбрачия.
В произведениях эпохи Возрождения существовало нечто вроде служения прекрасной даме. Если присмотреться к картинам Боттичелли, можно заметить, что почти каждый женский образ, будь то Венера или Весна, имеет одно и то же лицо. Он писал с реального прототипа - девушки по имени Симонетта Веспуччи. Однако у них не было романтических отношений. Она была порядочной дамой того времени, и слухи о них были исключительно благопристойными.
В искусстве появлялись смелые сюжеты, которые сегодня мы воспринимаем как нечто само собой разумеющееся, но для современников они были новаторскими. Например, картина итальянского живописца Тициана "Венера Урбинская" с изображением обнажённой женщины. Её горизонтальное расположение, вероятно, связано с тем, что картина размещалась на крышке сундука для приданого. В них складывали богатую одежду, которая не могла висеть в шкафу из-за своего веса. Эти наряды были украшены драгоценными камнями, жемчугом, шились из дорогих тканей. Картина символизировала пожелание счастливого брака, в том числе намекала на возможное рождение детей. В те времена считалось, что продолжение рода невозможно без женского удовольствия. Поэтому сюжет получился с такой "перчинкой". Лихая поза Венеры воспринималась как нечто естественное, никто не обращал на это внимания, пока не появилась "Олимпия" французского импрессиониста Эдуарда Мане. Она вызвала скандал из-за одного лишь взгляда и намёка на то, что девушка зарабатывает на жизнь встречами с мужчинами.
Барокко и рококо: пышность, раскрепощение нравов и аллегории в любовных сюжетах
В эпоху барокко мифологические сюжеты продолжают развиваться, но уже в новых стилистических решениях. Художники барокко заполняют пространство полотна, их работы пышны и динамичны. Например, "Даная" голландского художника Рембрандта. Обязательно посетите Омский областной музей изобразительных искусств имени М. А. Врубеля. В зале западноевропейской живописи вы увидите потрясающую копию, которая однажды спасла оригинал.
В этом сюжете Зевс проникает к Данае, заточённой отцом или в башне, или в подземелье. Для этого бог грома и молнии преобразился золотым дождём. Этот момент художники изображают по-разному: иногда в виде монет, которые собирает алчная служанка, а иногда в виде разливающегося света.
Во время реставрации оригинальной картины удалось выяснить, что она не просто изображает миф, но и является своего рода интимным дневником художника. Рембрандт сначала написал Данаю с лицом и фигурой своей первой жены, которую он очень любил. Первая супруга была скромной и добродетельной, и брак позволил художнику достичь более высокого социального статуса. Отношения со второй, незаконной женой, были более чувственными, у Данаи появилось её лицо, а тело стало более открытым. Картину Рембрандт никому не показывал, возможно, она висела в его покоях.
Среди работ эпохи барокко особенно выделяются милые парные портреты. Кстати, если вы видите изображение молодого человека или девушки с маленьким цветком-гвоздикой, знайте: это жених или невеста. Такие работы создавались и передавались избраннику как память или для знакомства. Например, немецкий живописец Альбрехт Дюрер изобразил себя с колючкой, возможно, потому что это казалось ему красивым. А может, он хотел придать своему образу мученический вид, ведь позже, когда художник болел, он написал себя в образе Христа.
Хочется отметить автопортрет нидерландского живописца Петера Пауля Рубенса и его супруги. Пара одета в соответствии с модой, характерной для богатых нидерландцев того времени. Их наряды выполнены в чёрных тонах, которые в те времена считались дорогими. Специалисты утверждают, что художник изобразил не просто себя и жену, а создал портрет идеального брака - это равноправный союз, построенный на любви и доверии.
В Голландии XVII века появляется и расцветает бытовой сюжет, изображающий повседневные сцены. Часто понять, что в них скрыто нечто большее, можно только по деталям. Например, сброшенная туфля или падающий музыкальный инструмент - это намеки на чрезмерное веселье и на то, что отношения находятся на грани. Кошка символизирует осторожность и намекает на что-то выходящее за рамки приличия. Если кошка злая, изгибает спину и шипит - это наверняка указывает на неблагопристойное поведение. Если рядом с парой нарисована собака, её поза тоже может быть показательной. Спокойная собака говорит о том, что отношения пары чисты и благородны. Если животное злится, это может означать, что здесь что-то не так. Возможно, люди, изображенные на картине, являются любовниками.
Плющ на картине символизировал верность и прочность семьи. Череп, стекло, часы, опрокинутый кубок и мыльные пузыри - эти символы говорили о хрупкости жизни и скоротечности времени. Устрица - отсылка к плотской любви. Нож - некоторая осторожность.
В живописи эпохи Рококо часто изображали пастухов и пастушек, которые, казалось, олицетворяли любовь. В искусстве было много вольных сюжетов. В эпоху рококо было неприлично не иметь любовника. В моде были балы и ассамблеи, где женщины переодеваются в мужчин, а мужчины - в женщин. Нравы становятся более раскрепощёнными, а сюжеты - фривольными. Например, картина французского живописца Жана Оноре Фрагонара "Счастливые возможности качелей" показывает, как простодушный и явно немолодой муж раскачивает свою супругу, а в кустах прячется любовник, наслаждающийся великолепным видом. В эту эпоху также появляются жанровые сценки, такие как поцелуй. Они выглядят мило и легкомысленно. Однако со временем эта несерьёзность уходит, и искусство переходит в эпоху классицизма.
Классицизм и академизм: стандарты красоты и влияние личных историй художников
Здесь всё строго, но торжественно - появляются парадные портреты. Благодаря завоеваниям Наполеона и его походам в Египет, в европейское искусство проникают древнеегипетские мотивы. Устанавливаются обелиски, появляются мотивы, вдохновлённые древними памятниками. Салонное искусство - мифологические и исторические сюжеты, включая любовные, остаются популярными, но со временем они становятся неинтересными для многих художников, как французских, так и русских. Однако салон был пространством, где каждый творец мечтал выставляться. Это доступ к заказам, известность и большие деньги. На протяжении длительного времени основные принципы (жизнеподобие, красота, композиция салонного искусства) остаются неизменными. Возникает некая закостенелость сюжета.
В Омском областном музее изобразительных искусств имени М. А. Врубеля (в Генерал-губернаторском дворце) представлен мраморный бюст мадам Рекамье. Эта женщина держала в Париже салон. Она была настоящей иконой своего времени и, возможно, влияла на стиль жизни не меньше, чем семейство Кардашьян несколько лет назад. В стиле Рекамье были и диваны, и причёски, и одежда. Прусский принц Август обожал её. Он заказал парадный портрет на фоне изображения мадам Рекамье. Это выглядело забавно.
Можно заметить, что на разных портретах мадам Рекамье изображена по-разному. Бюст, хранящийся в музее, показывает её довольно пухлощёкой, с модной причёской и в лёгком муслиновом платье. Это был значительный сдвиг в моде: вместо тяжёлых пышных нарядов появились лёгкие, почти прозрачные платья. Повинуясь моде, девушки часто мочили их перед надеванием - стремились выглядеть как статуи в облегающих полупрозрачных нарядах с нежными драпировками. Вместе с тем художники начинают уставать от мифологии, и искусство начинает двигаться в сторону реальности.
В следующей части мы расскажем, что заставило художников выйти на свежий воздух и увидеть реальный мир. Также поговорим, почему мастера стали обращать внимание на страхи женщин и как в малопонятных геометрических фигурах авангардизма можно разглядеть чувства.
Скриншоты презентации, подготовленной Ксенией Грудиной
